Les aficionados de l’âge d’or de la télévision retrouveront une sélection de 24 « nouvelles dramatiques » dans ce coffret qui allie culture et divertissement populaire autour de grands réalisateurs et acteurs de la télévision des années 60 et 70.

Il y a eu, paraît-il, une “école des Buttes-Chaumont”, un “âge d’or de la télévision” de fiction, en somme un ensemble de réalisateurs oeuvrant tous dans la même direction pour le bonheur des téléspectateurs des années soixante, lesquels regardaient un écran où la publicité n’existait pas. En fait, c’est faux. Il s’agit d’une commodité de pensée, rien de plus. La vérité, je le sais – j’ai vécu tout le parcours de la télévision française depuis 1950 – c’est que s’étaient retrouvés dans cette télévision de service public, une dizaine de metteurs en scène de talent, tous refusés, à l’égal de la Nouvelle Vague, par le cinéma dit de “qualité France” de l’après-guerre, tous radicalement différents et soucieux, avant tout, de prouver l’originalité de leur réflexion.

Quant aux Buttes-Chaumont, elles ne nous réunissaient que parce que nous y avions nos bureaux. Mais enfin l’étiquette est restée et s’accroche. Moi, mon souvenir, c’est avant tout celui d’une bagarre permanente pour disposer des moyens suffisants à notre ambition.

Douze films parmi tant d’autres, tant sont abondantes durant cette période les oeuvres d’une qualité indiscutable – pour ne pas employer à propos de certaines des épithètes plus gratifiantes.

Ce qui me frappe, moi, d’emblée, dans ce florilège de ce qu’on appelait à l’époque les “émissions dramatiques” de la télévision française, c’est l’étonnante diversité des formes et des styles, largement comparable à ce que le cinéma de plein exercice pouvait offrir à la même époque, et le souci permanent que nous avions de ne pas considérer avant tout le téléspectateur comme une source de profit mais comme un adulte capable d’entendre et d’apprendre. Le tout servi par une génération d’acteurs extraordinaires qui allaient quasiment tous devenir les “stars” du cinéma et du théâtre de la fin du XXe siècle : Piccoli, Brasseur, Marielle, Cassel, Galabru, Virlogeux, Rochefort, pour ne citer que quelques noms. Sans compter que je ne prends pas en compte ici les séries et les feuilletons, format original de la télévision s’il en est.

Le tout dans une liberté extraordinaire. Pas de personnage fédérateur destiné à la ménagère de moins de cinquante ans, mais un vrai souci de porter l’héritage culturel du monde à la connaissance du public le plus large possible. Nous étions, paraît-il, les “hussards noirs” de la télévision. Les gouvernants étaient à droite, les “téléastes” plutôt à gauche mais le souci commun était avant tout de ne pas rabaisser le public.

Amoureux de Roxane, qui est elle-même éprise du jeune cadet de Gascogne, Christian de Neuvilette, Cyrano dicte au jeune homme ses mots d’amour. Mais le Comte de Guiche, rival malheureux, se venge en envoyant Christian et Cyrano au siège d’Arras. Durant l’assaut, Christian est tué. Roxane se retire au couvent. Quinze ans plus tard, Cyrano lui révèle la vérité mais il meurt, laissant la jeune femme plongée dans la souffrance un amour deux fois perdu.

Ce film est le témoin exact du moment où la caméra de cinéma est venue concurrencer la caméra de direct sur les plateaux de télévision. Etant donné le volume et la complexité de l’oeuvre de Rostand, certains actes de la pièce sont tournés sur film et enchaînent avec d'autres qui eux, sont diffusés en direct. Cette technique s'éteindra dès l'année suivante où le film, essentiellement le 16mm inversible, supplantera définitivement le direct dans les fictions. La liberté de style de Claude Barma, sa liberté dans la distribution (donner un rôle aux acteurs comme il le souhaitait), sont totales, chose quasiment impensable dans ce début de XXI siècle. Cela a permis à Barma de faire incarner Cyrano par Daniel Sorano acteur de théâtre alors quasi inconnu sur les écrans... Création restée inoubliable. Pour Daniel Sorano, Cyrano de Bergerac aura certainement été le rôle de vie, à tel point qu’il été appelé « Sorano de Bergerac »… Marcel Bluwal

Dom Juan, jeune noble, accompagné de son fidèle valet Sganarelle, accumule les conquêtes amoureuses, séduisant les jeunes filles nobles et les servantes avec le même succès. Seule la conquête l'intéresse et les jeunes femmes sont abandonnées dès qu'elles sont séduites, même après un mariage. Mais l'une d'entre elles, Done Elvire, va lui donner bien du fil à retordre.

Etonnante époque. Lorsque je suis allé voir Ollivier, patron de la télévision à ce moment là, pour lui expliquer ce que je voulais faire du "Dom Juan" de Molière, c'est à dire une version critique comme au théâtre, intemporelle mais tournée en 35mm dans des décors réels vidés de leur substance historique et faisant de l'action une quadruple insurrection individualiste contre le "père" sous les formes de Dieu, du Roi, du vrai Père et bien entendu du Commandeur, le tout avec exactement les moyens d'un film de cinéma, il m'a dit : "Je ne sais pas si tout ça est dans Molière mais vous avez le droit de le faire." Ce qui a donné les interprétations, restées je crois dans les mémoires, de Piccoli et de Brasseur. Marcel Bluwal

Gemio et Hortensio font la cour à Bianca, fille cadette de Baptista, riche seigneur de Padoue. Mais celui-ci a décidé qu’elle ne se marierait que lorsque sa fille aînée, Catharina, aurait trouvé un mari en dépit de son mauvais caractère. Les prétendants de Bianca se concertent afin de trouver un époux à la mégère. Leur choix se porte sur Petrucchio, homme de guerre rude et sans vergogne qui cherche fortune à tout prix.

Ce film a été diffusé pour les fêtes de noël 1964 dans une semaine d'émissions exceptionnelles produites sous la direction de Claude Santelli. La mise en scène de Pierre Badel, comme l'adaptation de Vidalie font preuve d'une fantaisie extrême dans les libertés prises avec la célèbre pièce de Shakespeare. Le cinéma des salles n'osera jamais aller aussi loin dans ses différentes tentatives pour rendre compte de la "Mègère". Et ici, c'est extrêmement réussi. Le couple Rosy Varte-Bernard Noël est exceptionnel de talent et de vitalité. Marcel Bluwal

Un homme se trompe de chapeau au cours d’un service religieux. En rêve, il va revivre la vie du propriétaire de ce chapeau : Athanase Pernath est tailleur de gemme dans le ghetto de Prague. Malgré lui, l’homme va être mêlé à la vie de ses voisins. Les histoires de famille, d’escroqueries, de jalousies et de vengeances vont conduire Pernath en prison, alors que plane sur la ville la menace du Golem, ce monstre créé par un rabbin et qui se réveille tous les trente-trois ans.

Ikhariev, joueur et tricheur professionnel, vient de gagner quatre-vingts mille roubles. En compagnie de son fidèle serviteur, il s’arrête dans une auberge où il s’empresse de trouver de nouvelles victimes. Trois hommes se présentent, tricheurs eux aussi. Les quatre joueurs décident de s’unir et recherchent une nouvelle proie en la personne du jeune Glov.

C'est du direct. Du vrai. Ni magnétoscope, ni film. Diffusé vraiment à l'instant même où la pièce était représentée par les acteurs, exactement comme aujourd'hui on retransmet un match de football.Sauf que les acteurs et le metteur en scène répétaient durant un mois le texte et que les places des quatre caméras du studio étaient minutieusement codifiées pour faire "comme si" c'était du cinéma. Gogol est un auteur de génie et l'énoncé du nom des acteurs dispense de tout commentaire. Cette aventure du "direct" a duré dix ans de 1950 à 1960 et "Les Joueurs" sont le témoignage de la virtuosité à laquelle les équipes des Buttes-Chaumont étaient parvenues. L'émission était simplement reprise en kinescope au moment même de la diffusion et ne servait que de témoignage. Marcel Bluwal

VU - L'avis de Ciné-Zoom : 3 Zooms - Par Gérard Chargé ( bientôt en ligne)

Alors que la guerre fait rage au dehors, un couple vieillissant et négligé (Michel Piccoli et Suzanne Flon) se livre à une dispute absurde et sans fin dans un petit appartement qui tombe en morceaux sous les bombardements.

Mitrani c'est, pour moi, à part l'ami, une ligne tracée dont il n'aura jamais dévié : maintenir à tout prix le contact entre le monde littéraire contemporain français et celui de la télévision publique. Son souvenir est lié à Sartre (Huis-Clos), Beckett (Tout ceux qui tombent), et plus tard Julien Gracq (Un balcon en forêt). Ici, il s'agit de Délire à deux d'Eugène Ionesco, morceau d'avant-garde à tous égards, dont il déjouera les pièges de façon magistrale. Il y est aidé par deux acteurs magnifiques et au sommet de leur forme, Suzanne Flon et Michel Piccoli. Et il ne s'agit pas là de deux comédiens en début de carrière, non, les deux sont déjà au zénith de la célébrité. Ils auraient pu rester timides en face de cette oeuvre difficile, surtout à la télévision, cette bâtarde déjà considérée à l'époque par les « gens biens » comme un divertissement d'ilotes. Pas question : ils s'en donnent à coeur joie. Marcel Bluwal

Persuadé qu'une interview classique ne peut être qu'une contrevérité, Ionesco préfère improviser entre deux lectures, gags, grandes tirades et autres petites scènes devant la caméra complice de Mitrani.

En 472 avant J-C, un messager vient au palais du roi de Perse annoncer à la vieille Reine et au choeur des Fidèles la déroute des Perses face à Athènes, à Salamine. L’évènement est interprété comme un châtiment divin. Face à cette tragédie, la reine évoque le fantôme de son mari Darios pour qu'il éclaire les siens.

Paul (Paul Crauchet) travaille sans relâche jour et nuit pour s’offrir la grande auto rouge dont il rêve depuis longtemps. Mais les sacrifices à faire pour l’obtenir et les conséquences de cette obsession seront lourds pour Paul, sa femme (Anne-Marie Bacquié) et sa fille (Micheline Muc).

L'auto rouge est un des témoins les plus aboutis, en fiction, de la recherche de Jacques Krier, recherche capitale mais au début aussi discrète que l'homme pouvait l'être. Jacques venait du documentaire de télévision où il avait laissé des traces éclatantes aussi bien à « Cinq colonnes à la une » que dans « Les femmes… aussi », Les matinales en sont un exemple resté célèbre. Homme de gauche, il voulait exprimer et laisser s'exprimer à l'image tous ceux qui n'avaient jamais eu leur place ni au cinéma ni à la télévision : la classe ouvrière, les immigrés, les pauvres. Exprimer aussi en tant qu'auteur complet du scénario, des dialogues et de la réalisation l'univers poétique qui était le sien et dont Paul Crauchet est ici porteur. Il était le premier mais ne devait pas rester le seul, créant à la télévision de service public tout un courant de fiction sociale qui devait rapidement s'épanouir mais que le cinéma de plein exercice ne devait faire vraiment exister pour sa part que quarante ans plus tard comme en témoignent par exemple les palmes d’or attribuées ces dernières années à Cannes (Entre les murs, 4 mois, 3 semaines, L’enfant…) Marcel Bluwal

VU - L'avis de Ciné-Zoom : 3 Zooms - Par Gérard Chargé ( bientôt en ligne)

Figaro (Jean-Pierre Cassel) s’apprête à célébrer son mariage avec Suzanne (Anne Doat), première camériste de la comtesse (Anouk Ferjac). Mais le comte Almaviva (Jean Rochefort), qui a jeté son dévolu sur Suzanne, a bien l’intention de la séduire avant son mariage. Figaro, Suzanne et la comtesse réunissent leurs efforts pour faire échouer le maître dans son dessein.

Tourné exactement en même temps que Les Perses en 1961, Le mariage de Figaro en est l'exacte contradiction. Jeunesse, rapidité et liberté de la caméra des acteurs et du ton dans un absolu respect du texte, tout tranchait, en face de la représentation de l’oeuvre à la Comédie Française du temps. Pour moi, cinquante ans plus tard, le Mariage est un témoignage sur une télévision de fiction ivre de mouvement, enfin libérée des contraintes du direct et du studio. Quant à la distribution, Jean-Pierre Cassel, Jean Rochefort, Marie-José Nat, Anne Doat, Anouk Ferjac, Michel Galabru, Henri Virlogeux ! Et aucun des acteurs n'avait 40 ans ! Marcel Bluwal

Le scandale des scandales. Averty, pour les fêtes de fin d'année de 1964 enfonce le clou planté avec son émission de variétés « les raisins verts ». Défiant, par son utilisation totalement inédite au plan mondial du trucage électronique, tous les tabous du récit cinématographique, mêlant scènes de comédie réécrites par Claude Santelli et jouées par des acteurs noirs à des chorégraphies modernes et géométriques réglées par Dirk Sanders sur les rythmes de jazz et de gospel qu'il affectionne, il raconte à sa manière unique les origines du monde vues de façon faussement naïve par les Noirs de Louisiane. Le sujet avait déjà été traité à Hollywood avant 1939 mais l’oeuvre d'Averty laisse, et avec quelle maestria, la précédente sur place. Marcel Bluwal

Huguet – Costumes : Anne-Marie Marchand

Evelyne Dandry, Jean Obé, Pierre Vernier

Le prince est épris d'une jeune paysanne, Silvia, et la fait enlever et conduire dans

son château. Il voudrait l'épouser mais elle aime Arlequin. Il fait alors venir celui-ci à

la cour pour le rendre infidèle et ruiner l'amour que lui voue Silvia. Flaminia, la

confidente du prince, gagne la confiance des deux amoureux captifs afin de mieux

séduire Arlequin. Peu à peu il s'attache à elle pendant que Silvia commence à

éprouver un penchant pour un jeune officier qui se révèlera bien sûr être le prince…

du 35mm dans la fiction, car l’absence de négatif 16mm correct dans les années 65-70 rendait le 35 obligatoire

pour les émissions dites « de prestige ». J’en ai profité pour poursuivre ma recherche sur la théâtralité à la

télévision : après Molière, Marivaux et la violence des rapports, tant amoureux que politiques sous l’écriture

grande que celle du chasseur au couteau, pourchassant, au cinéma, le jeune couple de naufragés des Chassesdu comte Zaroff

Ce dont je me rends compte à présent, c’est de la merveilleuse rencontre entre ce texte et des acteurs

prodigieux : Cassel, Magre, Lebrun, Brasseur. Mais, à l’époque, cette conjonction était normale, quasi banale.

Maurice Cazeneuve, le fondateur des fondateurs de la télé a tout été : auteur littéraire, créateur de formes

dramatiques (le « direct » avec Barma), metteur en scène de très nombreux films et séries généralement

inspirés du patrimoine et promis au succès, et même patron de chaîne. Et puis, sur le tard, un jour, il décide en

plein essor de la télé-couleur, d’être un autre. Lui qui a toujours été à la mode, il obtient de tourner en 35mm

et en noir et blanc – ce qui à l’époque est complètement incongru – et quasi avec un seul acteur, Charles Vanel

admirable, à l’extrémité de son âge et de sa carrière, la non-histoire d’un vieillard de petite province qui perd

sa femme. Un film absolument personnel, à l’encontre de tous les canons, très lent et très simple. Un pur chefd’oeuvre.

Imprévisible. Un des honneurs de la Télévision Française.

René Berthier, Guy Moigne

région parisienne. À la suite de l’acquisition par l’usine d’une nouvelle machine

industrielle, il voit sa vie bouleversée. Tout ce qui jusqu'ici donnait un sens à son

existence, la conscience professionnelle, la nécessité d'un engagement syndical et

politique, est remis en cause. Ce film est le récit de ses luttes et interrogations

quotidiennes.

Barthe

Eric Frisdal, Germaine Delbat

Durant l'été 1922, Jean et Ferdinand sont élevés par leur grand-mère paternelle dans le

château familial de la Belle-Angerie, à quelques kilomètres d'Angers. Le décès de leur

grand-mère oblige leurs parents, Jacques et Paule, à quitter la Chine où le père est

cadre dans une université chinoise, pour revenir s’occuper de leurs enfants.

Rapidement, la mère se montre autoritaire et tyrannique. Les trois frères se mettent à

détester celle qu’ils surnomment « Folcoche ».

l’assistant. Mais le style de Failevic n’appartient qu’à lui. Moins lyrique, plus violent et sans doute plus

douloureux sous l’objectivité apparente. La confrontation « bourgeoisie-classe ouvrière », représentée par

Dominique Labourier et Jacques Serres, est frontale et subtile. La télévision d’alors juge encore de sa mission

de laisser passer et le succès est immédiatement au rendez-vous. Rarement le devoir d’objectivité du Service

Public aura été autant respecté. Et il faut dire que le jeu des personnages laisse déjà pressentir le remarquable

directeur d’acteurs qu’est Failevic. Encore une fois, ici, la télévision avait 30 ans d’avance sur le cinéma, fût-il

« Nouvelle Vague ».

Pierre Cardinal est un des fondateurs de la Télévision de Service Public. Quasi un aîné. Jusqu’alors, il avait

surtout été à la recherche de formes dramatiques spécifiquement télévisuelles et radicalement incompatibles

traditionnelle du long-métrage, mais portée à un haut point d’incandescence par la présence d’Alice Sapritch,

inoubliable dans le personnage de « Folcoche ». C’est une révélation et le succès suit aussitôt.

Latouche – Costumes : Christiane Coste – Décors : François Comtet – Musique : Dino Castro

Pauli Weyergans), Catherine Jacobsen (Lorraine), Nita Klein (Cécile), Eric

Baugin (L'enfant rouge), Jacqueline Dane (La mère), Marc Fayolle (L'avocat°)

Hugo-Paul de Weydroos, faussaire qui réussit à mystifier les experts les plus

renommés, est un garçon séduisant, non sans talent mais paranoïaque et

mégalomane. Il vit une enfance, dans le Paris des années 20, bouleversée par son

amour du dessin et de la peinture contrarié par une mère abusive. Livré à ses propres

fantasmes, le héros se livre à l'introspection la plus déréglée et finira par se consumer

lui-même pour devenir la réincarnation de celui qu'il s'efforce de copier : Hans Pauli

Weyergans, célèbre peintre du XVIIIe siècle.

Raymond Nègre – Effets spéciaux : Max Debrenne – Musique : Jean-Claude Pelletier

(Eleuthère), Angelo Bardi (Pissedoux), Michel Robin (Pissembock), Guy Pierauld

(Lord Catoblepas, l'avocat général)

devenir esclave pour acquérir une véritable puissance. Alfred Jarry prend le contre-pied de sa

première pièce tout en poursuivant le ton de la satire féroce et joyeuse.

VU - L'avis de Ciné-Zoom :  Zooms - Par Gérard Chargé ( bientôt en ligne)

diffusée le 9 novembre 1963 – 4 min.

artistique de niveau mondial : le trucage électronique mis au service de l’Art, trucage électronique, bien sûr,

désormais daté (mais la peinture à l’huile ne l’est-elle pas ?) asservi à un système pictural toujours en

l’anarchisme fondamental et au sens de la dérision du personnage. L’un n’hésitant pas dans le même plan à

contredire l’autre. Ses sources naturelles sont Alfred Jarry et le Surréalisme dont les mots portés par une

troupe d’acteurs pour qui l’excès est la nature première de « jeu », se combinent avec la violence et les

rythmes extrêmement calculés de l’image. Quelles que soient les avancées techniques actuelles, l’oeuvre

d’Averty restera majeure. Il n’est pas seulement l’inventeur mais il exècre le naturalisme du trucage

« réaliste » qui a, depuis, envahi les écrans. Averty reste atypique.

Boudet, je l’ai connu dès ses débuts, assistant et pareil à lui-même : cocasse, irrévérencieux, inclassable. Puis

ses premières dramatiques, en direct, se coulent dans le moule « santellien » du Théâtre de la Jeunesse. Puis,

en est l’accomplissement. Et ça ne concerne pas que le texte : la forme, elle-même, explose, le découpage

n’arrêtant pas de faire des pieds de nez aux habitudes bien ancrées du déroulement filmique traditionnel. Il

faut suivre, mais quel plaisir !

Pagnier

(Justin Belard), Claude Beauthéac (Dédé), Marie-Hélène Dasté (La Thibaude),

Fréderic Witta (Philippe)

Dans un petit village paisible du Massif central bloqué par la neige, on recommence à

parler de la légende de la tuile aux loups qui, lorsqu’elle chantait autrefois, annonçait

les grands froids et l’arrivée de loups affamés dans le village. Or, cette nuit, la tuile

s’est remise à chanter et a fait renaître la peur ancestrale des loups et des sorciers.

Jean Thomen

(l'instituteur), Marie-Christine Barrault (la femme de l’instituteur), Henri Virlojeux

(le père).

Dans les années 30, dans un village de la Gironde, Guillou, un jeune garçon surnommé

le Sagouin, malheureux et en manque d'affection, mène une vie d'angoisse et de

tristesse dans un château sinistre. Il exaspère sa mère qui ne voit en lui que le reflet

détesté d'un mari qu'elle n'a épousé que pour devenir baronne. Grâce à l'instituteur du

village, Guillou entrevoit un instant l'existence d'un autre monde, de douceur et de

tendresse.

Avec Moati, une nouvelle génération de réalisateurs apparaît, bien sûr toujours éprise de cinéma, mais

essentiellement formée (à travers Santelli comme patron) à la télévision. Et cela laisse espérer

l’épanouissement d’un florilège de réalisateurs de même niveau. Malheureusement, les différentes censures

désormais à l’oeuvre, tant politiques qu’économiques (les deux parfaitement dosées) vont assassiner cet

personnelle intense allant jusqu’au bord du mélodrame. Une bonne « télé », d’habitude, c’est une bonne

histoire et de bons acteurs, le tout « moyen ». Ici, tout va beaucoup plus loin et vibre extrêmement fort. On ira

jusqu’aux larmes. Moati, dès ses 25 ans, abomine la froideur. Et c’est réussi.

Ertaud ou l’humilité. Arrivant de ses succès en reportage et en documentaire et s’y sentant bloqué, il est

obsédé dès le début par la certitude qu’il saura traduire la réalité sociale en « fiction » au moins aussi bien que

les pontes de la transposition théâtrale. Il finit par y arriver et c’est d’emblée un ton nouveau qui se manifeste.

À sa manière à lui, discrète. Aussi près des « humbles » que Krier ou Failevic, mais à l’écart de leur

préoccupation politique, il reste complètement à l’abri des prétentions littéraires de l’adaptation telle que

histoire remplie de neige et de danger, jouée par des gens parfaitement normaux pris dans une situation

exceptionnelle. Et le public de télévision s’y retrouve avec bonheur. Ertaud saura parfaitement poursuivre

jusqu’au bout son chemin dans cet univers.

Roger Van Hool (Raoul Auburtin), Jean-Marc Bory (le père), Christian

Bouillette (Baptiste)

Blanche, violée dans sa jeunesse par un domestique, un vacher prénommé

Baptiste, fut enfermée par sa famille, tentant d’étouffer le scandale entre les

murs de son manoir et de ses conventions sociales. Un jour, Blanche, que tout le

pays surnomme « Madame Baptiste », tente de se suicider. Un homme la sauve, et

la demande en mariage bravant l’opinion publique. La vie semble désormais

heureuse pour Blanche, mais un jour, au comice agricole, l'insulte repart :

« Madame Baptiste »…

Jean-Claude Huguet – Décors : Jacques Lys – Musique : Verdi

(Thénardier), François Marthouret (Marius), Gilles Maidon (Gavroche), Nicole Jamet

(Cosette), Micha Bayard (La Thénardier)

Jean Valjean, forçat reconverti, Cosette ou encore les terribles Thénardier sont des

personnages du roman de Victor Hugo dont le nom nous est familier. Dans cette adaptation

à l’écriture serrée, nous plongeons avec délice dans l’une des plus belles pages de la

littérature française.

Dans cet opus, nous voilà au coeur des barricades de l’insurrection républicaine de juin

1832. On y retrouve bien sûr Marius, Javert ou Gavroche dont les vies se trouvent

inextricablement liées à l’histoire de Paris.

La rencontre, entre Santelli, Maupassant et le film. La rencontre espérée par Santelli depuis des années de

scénariste et d’auteur littéraire. Et rencontre d’emblée réussie. À travers le célèbre « Théâtre de la

Jeunesse », Santelli a depuis des années peaufiné à la fois le respect des textes et leur « traduction-trahison »

par l’image. Ici, Maupassant reste absolument debout dans tout son naturalisme et sa cruauté. Les acteurs sont

idéalement dirigés par un homme définitivement passé du côté de l’image.

S’y exprime spécialement une petite « nouvelle » comédienne, Isabelle Huppert. Santelli était un inlassable

découvreur de talents.

je me suis proposé après l’épisode de Mai 68. Pour tous, ce chef-d’oeuvre est l’histoire de l’itinéraire spirituel

de Valjean et de son rapport avec Cosette. Pour moi, c’était avant tout l’apparition dans l’Histoire, des vrais

l’ABC. D’où la subversion radicale de la chronologie du roman où tout ce qui précède 1832, soit l’histoire de

Valjean lui-même, se retrouve résumée en un long « flashback ». La télévision m’ayant alors suivi à fond pour

J’avais donc réussi mon coup. Grâce à une équipe technique en acier, et contrairement à la tradition

cinématographique, sans vedette internationale pour jouer Valjean. Mais quels acteurs !

Sonate pour arpeggione et piano de Schubert

Jean-Pierre Sentier (Césaire), Diane Kurys (Phénie), Gérard Darrieu (Victor),

Lucien Hubert (Osime), Thomas Tréfouel (l'enfant), Andrée Champeaux

(Adélaïde), Cécile Magnet (Mme Ceres), Paul Bonifas (Vatinol)

Le père Amable ne voit pas d’un bon oeil le mariage de Césaire, son fils unique, avec

Céleste. Le vieil avare refuse en effet d’entretenir l’enfant que celle-ci a eu

auparavant d’un autre homme. Le couple s’installe néanmoins à la ferme et Césaire

travaille d’arrache-pied pour nourrir la maisonnée. L’hiver suivant, sa mort laisse le

vieil homme et sa bru seuls, face à face…

Chouchan – Costumes : Pierre Cadot – Décors : Paul Pélisson – Musique : Vladimir Cosma –

Thérin (Pierre), Pierre Olaf (L'abbé),

Jacques Legras (L'oncle Auguste)

Au début de la seconde guerre mondiale dans une petite ville de Lorraine,

Pierre, douze ans, fils unique du directeur de l'école communale, occupe sa

solitude tant bien que mal. L'image d'une petite fille entrevue à la messe nourrit

ses premiers rêves sentimentaux. Pour mieux la contempler, il projette de se

faire enfant de choeur, malgré les réticences de son père, laïc convaincu.

sort directement de Maupassant, tout est, au carat près, magistralement traduit par les images de Santelli.

Mais l’essentiel tient dans le rapport que le metteur en scène a avec son principal acteur, Ledoux. Ledoux, pris

au sommet définitif de son art et dont on ne sait plus du tout s’il est dirigé alors qu’il l’est magistralement. Estil

Ledoux ou le père Amable ? C’est la rencontre miracle entre la personne et le personnage. Le père Amable

reste un des accomplissements majeurs de la Télévision depuis ses débuts.

Jean L’Hôte, c’est un compromis entre Alphonse Allais et Jacques Tati, un créateur de gags et d’histoires à la

logique saugrenue, le tout coloré par une tendresse toute provinciale. Une exception au cinéma comme à la

télévision entre lesquels il se partagera longtemps. C’est un des hommes qui m’ont le plus fait rire quand il

réputation qu’il avait, mélangeant le merveilleux de l’enfance avec l’imbécillité d’un monde adulte imbu de

lui-même. Et c’est en même temps un des derniers témoignages de la liberté qui nous était laissée à cette

époque mythique, dite de « l’ORTF ».